Alex Ries
My interest in science has influenced my style, and each major work I try to render as accurately as possible without sacrificing aesthetics. Even if the creature or machine does not exist, studying science and quality reference material helps me try to make each picture improve on the last. Photorealism would be wonderful, but perhaps in a few years. I also love doing line art, a fun style reminiscent of comic books and the first style I used when I started out. For wildlife illustration, accuracy is key and I use a variety of reference materials to ensure illustrations of existing creatures are as lifelike as required.
El australiano Alex Ries es un artista conceptual experto en idear y recrear creaturas fantásticas. Partiendo de un fundamento científico real pero amparado en las posibilidades que presenta la ciencia ficción, Ries crea animales definiendo no solo sus características, sino sus posibles medio ambientes y formas de evolución. Actualmente trabaja para la industria de los videojuegos y le interesa mucho la biología y la zoología.
Conrad Roset – Musas
Conrad Roset es un ilustrador y diseñador español cuyo trabajo me ha llamado particularmente la atención. Aunque se desempeña en diferentes proyectos para agencias de publicidad, estudios de diseño y editoriales, Roset dentro de su portafolio incluye una serie de ilustraciones que el mismo llama “Musas”. Su (re)interpretación de la figura femenina me ha parecido impresionante, así que sin más preámbulos los dejo con las musas de Conrad Roset. Saludos.
Minjae Lee
Desde Korea del Sur presento a Minjae Lee artista gráfico que se desempeña muy bien en el campo de la pintura, manejando un colorido estilo visual muy interesante partiendo de la figura humana, especialmente la femenina.
Dan Mountford
El inglés Dan Mountford es un joven diseñador gráfico cuyo trabajo me ha llamado la atención, sus imágenes son realizadas con técnicas sencillas pero sin embargo con un buen nivel de detalle y creatividad para poder lograrlas. Por ahora algunos enlaces e imágenes, saludos.
Terakado Yukari 寺門 縁
Yukari Terakado (en japonés se pronuncia primero el apellido) es una artista gráfica japonesa. Su obra me llama particularmente la atención, ya que dentro de la simpleza de su técnica e instrumentos logra por un lado crear figuras llamativas, armoniosas y naturalmente muy femeninas, y por otro logra transmitir cierta sensación de melancolía y sus ilustraciones son en cierta medida reminiscentes del arte tradicional japonés. Algunos links e imágenes de la obra de Yukari Terakado. Saludos.
Keith Thompson
Keith Thompson es un artista gráfico conceptual cuyo trabajo ha aparecido en revistas, libros, películas y videojuegos. Sus obras nos muestran una marcada influencia del steampunk con matices bizarros. Me parece muy interesante que cada creatura, lugar o máquina vaya acompañada de una descripción que amplia las posibilidades narrativas de la imagen, a manera de bestiario. Personalmente sus robots me han fascinado, especialmente el hecho de que los haya diseñado siguiendo una línea evolutiva cronológica, siendo que cada modelo tiene una tecnología mejor que la del anterior.
Thompson es el ilustrador de la serie de novelas Leviathan escrita por Scott Westerfeld.
Sin más preámbulos presento algunos de los trabajos de Ketih Thompson.
Michal Lisowski
Hi, my name is Michal, living in Warsaw, Poland.
I’m digital painter working mostly with tablet, but also traditionally. Currently I’m employed as a concept artist in Orkafilm Studio.
I’ve been working on projects for clients and brands like B-win, Mtv, Bakoma, Orlen, Orange, Era, Play, Kinder, Skoda, Carrefour, Solaris Publishing, Kodex3, Zywiec, Biedronka, Nescafe, Lotos, PKO, PZU, Tuc, Winiary, Aviva. Movies: Trick (dir. J.Hryniak), Kolysanka (dir. J.Machulski) and Sala Samobojcow (dir. J.Komasa).
A continuación presento a otro artista conceptual polaco, esta vez oriundo de la ciudad de Varsovia, Michal Lisowski es un ilustrador bastante versátil desempeñándose de una forma muy interesante en diversas áreas de la ilustración conceptual.
Pop Chart Lab
“Pop Chart Lab is a collaboration between a book editor and a graphic designer. From our lair in Brooklyn we seek to do nothing less than to bring order to a swirling chaos. That is, we seek to put the world in charts.”
Pop Chart Lab es un website que se ha dedicado a publicar carteles informativos con estilo para nuestro entretenimiento pero también para quizás aprender algo. También es posible comprar la versión en camiseta de los carteles en su página web.
Olly Moss
Olly Moss es un joven diseñador/ilustrador británico, cuyo trabajo incluye estos audaces diseños de carteles para películas muy conocidas como ‘Duro de matar’ y ‘El gran dictador’. Moss también ha realizado trabajos para clientes como The New York Times, la revista Computer Arts y Urban Outfitters.
A continuación algunos links y trabajos de este buen artista.
Sam Weber
“I was born in Alaska, and grew up in Deep River Ontario, Canada. After attending the Alberta College of Art and Design in Calgary, I moved to New York to pursue illustration and attend graduate school at The School of Visual Arts. My studio is in Brooklyn. I’m married to Jillian Tamaki.”
Así se describe este ilustrador canadiense que se especializa en diseño editorial, ilustración y pintura. Sus trabajos aparecen en importantes revistas y periódicos además de ilustrar portadas e interiores de libros. Los dejo con algunas muestras de su trabajo y algunos links de interés.
Ricardo Ajcivinac “NEARsyx”
Ricardo Ajcivinac conocido bajo el alias de “NEARsyx” es un artista de graffitti de origen guatemalteco que se desempeña como director de arte en la compañía de publicidad TBWAGuatemala. A continuación algunas de sus obras y links de interes. Saludos.
Martin Ansin
«I’m Martin Ansin, an illustrator working from Montevideo, where the summer is not too hot, the winter not too cold, and the people are not that many.»
De esta forma se describe en su website Martin Ansin, ilustrador uruguayo que posee unas facultades muy notorias para el diseño vectorial. Su especialidad son las ilustraciones para la industria del entretenimiento, como películas o series de televisión. Definitivamente un artista gráfico a tener en cuenta, me gusta mucho su estilo, su composición y el aire a comic que de cierta manera tiene su trabajo.
Algunos links e imágenes de su trabajo.
Martin Ansin – EverythingYouDoIsABalloon*
Spheremetrical (Here With You)
Bellísima animación esquemática creada por el estudio Impactist conformado por Kelly Meader y Daniel Elwing, dupla que se destaca de forma muy interesante en las áreas de la producción cinematográfica, diseño, fotografía, animación y música. Tienen un website con muchos trabajos interesantes. Por lo pronto los dejo con esta animación cuya música está compuesta e interpretada por ellos.
Brad Klausen
El día de hoy les presento otro excelente ilustrador norteamericano, oriundo de Seattle, WA. Se trata de Brad Klausen, quien ha basado su labor en la creación de carteles publicitarios par ala promoción de grupos musicales y para los shows de los mismos. Su estilo contiene elementos con cierto aire retro, sobre todo en el manejo tipográfico, y formas ciertamente armoniosas y bien logradas en conjunción con los tipos que maneja. Su estilo remite un poco al del gran ilustrador Aaron Horkey, del cual habalré más adelante. Se nota que e sun fand e pearl Jam, muchos de sus trabajos con relativos a esta agrupación musical. Por lo pronto, algunos links y obras de Brad Klausen. Saludos.
Brad Klausen @ Artillery Design
Brad Klausen Interview @ Preik
Daniel Danger
2 colores. Siluetas y sombras. Lineas delgadas. Hace rato no descubria un artista con tanto estilo y efectividad para plasmar sus obras como Daniel Danger. La verdad me queda un poco dificil definir lo que sus obras me producen en palabras, pero en definitiva son obras que no pasan desapercibidas de ninguna manera. Prueba de ello es la versatilidad de las mismas para pasar de un simple «print» un poster de película. Bueno, sin más preámbulos, con ustedes la obra del señor Daniel Danger, y como siempre, unos links para que chequen, saludos.
Tiny Media Empire – Website de Daniel Danger
Nicolas Bouvier – Sparth
Después de poco más de una semana alejado de la web por motivos académicos y laborales, retomo el curso de las cosas en Air en primer lugar con el trabajo de Nicolas Bouvier a.k.a. Sparth norteamericano nacido en Francia que se desempeña como artista conceptual para la industria de los videojuegos. Su trabajo es sencillamente impecable y pone a trabajar a la imaginación de quien lo ve, pues no solamente recrea escenarios sino que brinda la posibilidad de crear historias mentales en base a los mismos, debido al grado de detalle del mismo. Se pueden apreciar más obras e información de este artista en los siguientes links, saludos.
Chiara Bautista a.k.a Milk
Milk es una ilustradora reisdente en Tucson, Arizona que posee 2 particularidades, por un lado tiene un estilo para crear gráfica impresionante diría que único, y por otro que desgraciadamente poco podemos saber de ella ya que solo tiene como sitio web un perfil de myspace que rara vez actualiza. Afortunadamente muchas de sus obras se encuentran con facilidad regadas en la web y aqui les presento una buena selección de las mismas. Saludos.
Drew Millward
El inglés Drew Millward es otro de mis ilustradores favoritos. Su especialidad es el diseño gráfico para bandas, pósters de shows, carátulas de discos y merch. Algunos lo reconocerán por ser quien diseño la portada del This Will Be the Death of Us de la banda norteamericana Set Your Goals
Bueno para evitar citar una gran cantidad de ejemplos los dejo con unas buenas obras y con algunos links de interés sobre Drew Millward. Saludos.
Drew Millward @ GigPosters.com
Steven Stalhberg
Artista australiano residente en Hong Kong. Se podria decir que este artista lleva el 3d en la sangre por que además de que sus obras en 3d son sencillamente espectaculares, sus ilustraciones y pinturas no pueden evitar dar también una fascinante sensación de tridimensionalidad. Además, la temática de sus trabajos aborda la figura femenina y la fantasia pero no puedo evitar decir que me da una sensación extraña a cyberpunk o ciencia ficción, me imagino que será por la impresionante ambientación de sus obras. En su website encontramos tutoriales y links que pueden resultar muy útiles.
Steven Stalhberg – www.androidblues.com
Jason Levesque a.k.a Stuntkid
Stuntkid es otro artista bastante inspirador. Me atreveria a decir que sigue en cierta medida la linea de Tara McPherson ya que explota de manera muy creativa y muy a su estilo (estilo con aires a art nouveau y comics) la figura femenina. Sus ilustraciones son sencillamente asombrosas pues al observarlas detalladamente cuentan una historia llena de colorido y formas llamativas.
Tara McPherson
Hoy haré serie de posts de varios de mis diseñadores, ilustradores y gráficos favoritos. Comienzo con la californiana Tara McPherson quien ha realizado pinturas e ilustraciones tanto propios como para importantes revistas como Juxtapoz, Esquire, Vanity Fair, Sony Magazine, Bust, Magnet y Elle, pósters para bandas como Beck, Modest Mouse, y Melvins, portadas para cómics de DC Vertigo, e incontables ilustraciones y portadas para libros de diferentes temáticas. Su trabajo es muy variado y versátil y ha realizado una cantidad muy considerable de obras.
Sin más preámbulos los dejo con algunos trabajos de esta excelente artista y con unos links para que conozcan mejor a Tara McPherson, saludos.
Juan Pablo Bravo
El chileno Juan Pablo Bravo es un diseñador gráfico multimedial oriundo de Santiago. Lo que más me llamó la atención de su portafolio fueron las increibles infografías que el hombre ha hecho tanto para clientes reales como también ejercicios personales. Como siempre, que el trabajo hable por el diseñador, los dejo con estos magníficos trabajos. Personalmente me atrapó bastante el de los personajes de Hanna – Barbera, es un trabajo muy detallado y se nota que le puso mucho empeño, dedicación y pasión, saludos.
– Angeles En Santiago – Fotografías de imagenes religiosas
Dar click para ampliar.
Dismang – Elizabeth Breitweiser
Les presento algo del trabajo de esta excelente artista estadounidense que se destaca por su trabajo en la creación de personajes y de arte conceptual relacionado con comics y superheroes.
Antonio Santamaria
Este personaje es un story boarder, diseñador conceptual y de personajes e ilustrador español que se ha desempaeñado tanto en la gran como en la pequeña pantalla y ha diseñado personajes con un estilo muy reconocible y particular. Cheuqen el blog que maneja como su portafolio y una entrevista que concedio al blog español Animaholic
http://antoniosantamaria.blogspot.com/
La entrevista:
1. En una industria tan poco halagüeña como la española, ¿cómo fue que llegaste a convertirte en un ilustrador de storyboards?
Recuerdo que yo estaba aún estudiando comic e ilustración en la escuela Joso cuando un conocido me propuso que le hiciera un storyboard para un cortometraje de imagen real que estaba realizando. Acepté y me encantó. Mis honorarios… un par de botellas de vino. Después de este trabajo ya me propuse buscar trabajo como storyboarder y me surgieron otros tres cortometrajes y la posibilidad de ayudar a un director de arte de una conocida productora cinematográfica. Con él me sumergí en el mundo de la publicidad y realicé unos cuantos spots en los que se mezclaba la imagen real con la animación. Tras esto, contesté una oferta de trabajo de D’Ocón Films y fue aquí donde comencé mi andadura haciendo storyboards de producciones de animación. Estos fueron mis primeros trabajos.
2. ¿Cuál ha sido tu formación como storyboardista? ¿Cómo se forma un ilustrador de storyboards?
No he tenido unos estudios para ser storyboardista en concreto. Estuve 4 años estudiando comic e ilustración, también realicé estudios de creatividad publicitaria pero lo demás ha sido de manera autodidacta. He mirado libros de anatomía, de animales, evidentemente de cine… Por otro lado estuve realizando trabajos como diseñador de interiores y stands por lo que me tuve que espabilar con las perspectivas… Y sobretodo, aunque sea repetitivo, el propio trabajo me ha ido dando tablas, y el trabajo diario, muchas horas diarias de luchar con los lápices y guiones.3. Originalmente, se considera un storyboard como un mero instrumento de trabajo, como un medio para llegar a otro fin, nunca como algo artístico. ¿Qué opinas al respecto? ¿Tratas de distinguir tus storys de una forma personal o consideras que esto perjudica al story?
Es cierto que mucha gente no ve de manera artística el trabajo desarrollado en un storyboard. Los menos entendidos pueden interpretar los dibujos realizados como muy sencillos, poco trabajados e incluso feos, pero en mi opinión se ha de saber leer un storyboard. Han de saber que se acerca más al terreno cinematográfico que una ilustración y por lo tanto, ha de beber de las diferencias que hacen del cine el séptimo arte. En un buen storyboard el arte se puede apreciar, no sólo en la calidad del dibujo, sino en una buena composición, en lo atractivo del encuadre, en el acting que desarrollan los personajes, en las coreografías de las secuencias de acción, en las diferencias de explicar una secuencia trepidante o de explicar una secuencia en lo que importa de cara al espectador es lo que se dice. El ritmo y fluidez visual colocando un tipo de planos u otro, en la decisión de colocar el eje de cámara de una manera u otra. La fotografía, la iluminación, los efectos de sonido….
En mis trabajos suelo cuidar todos estos detalles y otros que ahora no recuerdo, así como aplicar un trazo lo más suelto posible a la hora de dibujar y no escatimar en el número de dibujos con tal de que se entienda bien lo que quiero explicar.
No puedes perjudicar la producción si, aunque le des un toque personal al story, no descuidas todos los aspectos antes mencionados. Pienso que, la contrario, puedes
motivar al artista que viene detrás de ti en el proceso.
4. ¿Qué nivel de detalle consideras adecuado para un storyboard, el que marca el guión o lo sometes a un criterio propio?
El nivel de detalle de un storyboard depende, básicamente, del tiempo que tengas para realizarlo. Pueden haber cientos de personas implicadas en el proyecto que si a ti te dicen que la fecha de entrega es “tal” tú has de planificarte para que eso sea así, y valorar si puedes acabar más o menos el dibujo. El guión, además, no te marcará nunca el nivel de acabado de un story. Como mucho, te obligará a desarrollar en más continuaciones la acción para que se entienda lo que pide o tener que planificar cámaras más complicadas en función de las localizaciones pero nunca te marca este nivel de acabado.5.¿Cómo controlas el tiempo en el storyboard? Pensaba que era algo más libre y abierto, pero en «Timing for Animation» de Focal Press dice alo así como que a cada minuto le corresponden de media unos cien bocetos, lo cual me parece exageradísimo.
El número de bocetos por minuto de película variará en función de la acción que se desarrolle en el guión. Evidentemente necesitará muchos más dibujos una secuencia de acción, con muchos planos de corta duración y escenas de peleas explicadas movimiento a movimiento que una secuencia de amor en el que una pareja observa una puesta de sol… Por eso pienso que no se debería generalizar, ni mucho menos tomarlo como una norma a seguir.
El tiempo se controla, simplemente imaginándote la acción y, una vez montado el animátic lo ajustas dándole o quitándole frames. En secuencias con diálogo has de leer el texto tal y como quisieras que fuera doblado, dándole las pausas necesarias y, todo esto, cronómetro en mano. De alguna manera has de interpretar lo que quieres enseñar.
6. La labor del storyboardista se sitúa a medio camino entre el guión y el producto final. ¿Sin buen guión no hay buen story? ¿Cómo puede tu labor ayudar a mejorar un guión flojo?
Muy buena pregunta. Por desgracia en este país acostumbramos a tener una deficiencia en lo que a guiones buenos se refiere. Sin embargo, un mal guión no es sinónimo de un mal storyboard. Podemos tener una historia infumable con una realización excelente y atractiva. Por el contrario, podemos encontrarnos con un gran guión en el que, aunque la planificación sea mediocre, nadie se fijará porque la historia les ha cautivado. Lo ideal, véase las películas de Pixar, sería que tras un gran guión haya una gran planificación.
En el story podemos ayudar a “maquillar” este mal guión, planificando buenos actings, añadiendo gags. En la serie “Juanito Jones” de Cromosoma incluso podíamos añadir frases enteras de diálogos para enriquecer o reforzar una secuencia. El resultado era muy gratificante, ya que teníamos la posibilidad de redondear muchos episodios.7. ¿Qué cualidades debería tener un buen storyboardista?
Indudablemente ha de tener una serie de conocimientos amplios sobre muchas cosas. Comenzando por una buena base de dibujo, conocimientos amplios de anatomía para ser capaz de resolver cualquier tipo de postura. Nociones de perspectiva y profundidad. Saber colocar varios personajes en escena para que guarden proporcionalidad con éste y entre ellos. Conocimientos amplios de cine y realización (tipo de planos, colocación de cámaras, ejes…), de composición. Rapidez (no a efectos de producción, sino para poder resolver planos sencillos de manera rápida y así poder dedicar más tiempo a composiciones complejas). En fin, no sé…. seguro que me dejo cosas… También, y muy importante, capacidad para poder aceptar cambios de un trabajo que esté correcto pero que el director ve de otra manera. Hemos de tener claro que aunque aportemos muchos planos y secuencias interesantes, la visión general de la película es del director y para él trabajamos.8. ¿Cómo definirías un buen storyboard?
Para mí un buen storyboard sería aquel que no tan sólo explica todo lo que nos pide el guión sino que tenga una narrativa visual rica. Que esté dibujado con un trazo muy suelto, homogéneo, con fuerza y dinamismo en las poses, que respire frescura. Aquel que no se ciña a la fórmula “Plano General-Plano Medio-Contraplano” sino que se arriesgue con el eje de cámara, con su ángulo, con planos detalles. Que use sutiles movimientos de cámara para darle fluidez a la acción. Que tenga un buen ritmo visual.
9. ¿Cuál ha sido tu mayor reto profesional?
Hasta el momento mi mayor reto profesional ha sido, sin duda, el planificar todo el storyboard de Gisaku y dibujar 900 de sus 1450 planos en menos de 5 meses. Gisaku llegó a tener alrededor de 3500 paneles de story. Un ritmo que no le aconsejo a nadie y que espero no volver a encontrarme.10. ¿Cuál es la mayor dificultad a la que te has enfrentado?
Supongo que la falta de tiempo de reacción. Es decir, cuanta mayor es la prisa, más rápido has de planificar y dibujar y menos tiempo tienes de pensar las cosas, realizar propuestas alternativas, o prever complicaciones.11. ¿Cómo ha influido el uso de las tecnologías sobre tu trabajo? ¿Sigues usando lápiz y papel o te has pasado completamente a las herramientas digitales?
Depende del trabajo. En la mayoría de los casos utilizo exclusivamente lápiz para hacer mis trabajos aunque los estudios de iluminación los suelo marcar con rotuladores. Pero últimamente y con mayor frecuencia utilizo una técnica mixta; dibujo el background y el acting de los personajes a lápiz por separado, los digitalizo y los retoco con grises en photoshop o painter, seguidamente compongo los paneles para entregarlos en el animatic. En “Donkey Xote” y “La Bella Durmiente-Frágiles” usé esta técnica que me resulta muy atractiva.12. Has trabajado para proyectos de animación como “Gisaku” o “Donkey Xote” y también en producciones de imagen real ¿Existen grandes diferencias a la hora de realizar un story para una clase de proyecto u otro?
Sí existen muchas diferencias. Entre Gisaku y Donkey la diferencia principal radicaba en que la primera se pretendía una narrativa al estilo anime, de mucha acción, con encuadres arriesgados, planos detalles, movimientos de cámara, planos estudiados para que no fueran complejos de animar…. mientras que en la segunda se pretendía una narrativa más convencional, con más pausas, con menos angulaciones de cámara, dándole mucha más importancia al acting de los personajes, que, por otro lado no eran tan realistas.
Y la diferencia de un story de animación y de uno para imagen real es abismal. Así como en el primero ha de estar todo muy claro, muy bien explicado y muy bien anotado y cuya información; posición de cámara, de los personajes sobre el escenario, cuando entran, cuando salen se ha de respetar al 100%, en una producción de imagen real, suelen ser dibujos más cercanos a propuestas que el director tendrá o no en cuenta.
13. ¿Cuáles son tus principales referencias e influencias?
Lo cierto es que no te podría destacar un nombre u otro, he ido aprendiendo de todos o de ninguno. Me he mirado cientos de storys… he tomado cientos de notas viendo películas que me interesaban… Sobretodo, al principio, me fijaba mucho en mis compañeros, en qué y por qué planificaban sus trabajos de esa manera. Y a veces me preguntaba cómo lo hubiera resuelto yo. También aprendí mucho de otros artistas en mis trabajos como supervisor de storys. Pero me sería muy complicado darte referencias o nombres.14. En una industria audiovisual tan incipiente como la española, ¿se puede vivir como storyboardista?
Aunque parezca mentira, mi opinión ha de ser que sí. Aunque he desarrollado otros tipos de trabajos dentro de la animación y el dibujo, llevo trabajando 8 años ininterrumpidos realizando storyboards. Gracias a ello he podido formar una familia, un hogar… en fin esas cosas de adultos.15. ¿Cómo ves desde tu perspectiva el futuro de la animación en España?
Es una incógnita. Desde que comencé a moverme por diferentes estudios siempre he escuchado que estábamos atravesando una crisis, que ya vendrán tiempos mejores… Lo cierto es que nunca ha habido una etapa de esplendor y no sé si la habrá ya que hay pocas productoras y contadas producciones. Así es que te puedo ayudar poco como visionario. Prefiero trabajar día a día y no pensar en qué pasará mañana. Como me dijo un compañero hace tiempo; no te preocupes del futuro y ocúpate del presente.16. ¿Qué consejo le darías a otra persona que deseara trabajar en un campo como el tuyo?
Pues mi más sincero consejo sería que intentara dar todo lo que tiene en cada trabajo que hiciera, que intentara aportar siempre algún detalle creativo, alguna marca personal que le haga apropiarse un poquito de esa producción, que se volcara en aprender cada vez más; preguntando a profesionales, mirando películas, series, siendo selectivo… Tomar apuntes de planos que le resultan interesantes y por supuesto y es una constante que se repite, que trabaje mucho, que cuánto más trabaje más soltura tendrá y más resolutivo será en el momento preciso. Y desearle mucha suerte y paciencia!17. ¿Qué otras webs útiles nos recomendarías para consultar y ampliar conocimientos?
Puedes echar un vistazo a estas direcciones y obtendrás mucha información interesante, no exclusivamente de animación.
http://www.famousframes.com
http://www.sbdoc.com
http://www.frameworks-la.com
http://www.thestoryboardartist.com
Air 